METODOS MAS CONOCIDOS PARA ENTRENAR LA FLEXIBILIDAD

espero que les sirva chicas!
Utilizados por los atletas que practican las artes marciales y por los bailarines.

Por Lic. Gabriel Lemme


Si bien la palabra flexibilidad suele tomarse por la mayoría de las personas como un sinónimo de elongación, esto no es realmente así. El vocablo flexibilidad es más complejo y está formado por tres componentes: la elongación, la elasticidad muscular y la movilidad articular. Por lo tanto habría que corregir el título del presente artículo y reescribirlo como, métodos para mejorar la elongación o métodos básicos de estiramiento.

De cualquier manera no vamos a polemizar por esto, pero es necesario que se conozca la diferencia, y en todo caso podremos hablar en algún otro momento de estos tres componentes. Existen dependiendo de los diferentes autores y de diferentes clasificaciones cinco métodos más conocidos, que pueden diferenciarse en pequeños detalles o en su nombre según quién escriba la publicación, y ellos son: estático, activo, pasivo, balístico, y FNP.

Estático: consiste en llevar un componente corporal hasta un punto donde se siente tirantez en el músculo que se desea relajar, manteniendo esa posición. Este método es el que comúnmente solemos ver que practican las personas que entrenan en parques o espacios verdes, y que es muy utilizado en la práctica de yoga. Se fundamenta en generar una inhibición en los reflejos musculares, donde pasados 10 o 15 segundos sentimos la sensación de que el músculo comienza a ceder y se afloja lentamente. Es necesario mantener la posición adoptada por más de 20 segundos, en una postura confortable y con buenos apoyos. También es fundamental la respiración, ya que gracias a una buena concentración en la inspiración y espiración en el punto límite, podremos lograr una mejor y más rápida relajación.

Activo: este método consiste en realizar una contracción concéntrica o isométrica del músculo antagonista (opuesto u opositor) al que se quiere relajar. Esta contracción debe ser realizada al máximo de la amplitud muscular, de tal manera que se genere un estiramiento en el músculo agonista (músculo a elongar). Daremos un ejemplo para que se pueda entender. Si queremos elongar los músculos isquiotibiales (músculos posteriores del muslo) debemos realizar una contracción poderosa de los músculos flexores del muslo y cuadriceps (músculos anteriores del muslo) a través de una elevación de la pierna, y así lograremos que se estire el isquiotibial. Este tipo de trabajo no sólo mejora la elongación sino también la fuerza muscular. Requiere de un control de los movimientos importante ya que una acción brusca podría desencadenar una lesión muscular.

Es muy utilizado por los atletas que practican las artes marciales y por los bailarines.


Pasivo: este método es igual que el estático, es más algunas personas suelen colocarlo como una subclasificación del primero. La diferencia subyace en que la persona que realiza el trabajo de elongación, es ayudada por otro individuo o por algún elemento como ser espaldares, sogas, bandas elásticas, etc.

A mi entender este método es más eficiente que el estático, pero también más peligroso. Se recomienda que la persona que oficia de ayudante sea muy cuidadoso y tenga conocimientos mínimos de la técnica que está utilizando. Con este método se obtienen mejoras más rápidas y se recomienda su utilización en personas que tienen su movilidad muy limitada y que por sus propios medios no pueden adoptar determinadas posiciones.

Balístico: este método conlleva a la realización de pequeños rebotes repetidos en el momento de máxima amplitud muscular o tirantez.


Existen dos puntos muy importantes a tener en cuenta, ya que es muy común observar a gente con poca experiencia y de cualquier edad realizando este tipo de movimientos.

1 - El primer punto es que muchas veces este tipo de acciones es llevada a cabo con el cuerpo o con el tronco. El mismo peso del cuerpo genera un impulso y una velocidad que muchas veces es muy difícil de detener a tiempo, y que supera el punto de máxima extensión muscular. Esto produce pequeños microtraumatismos que con el correr de las horas se asocia a molestias musculares y que con el pasar de los años genera un tejido cicatrizal que afecta la movilidad y composición muscular y los mecanismos articulares.

2 - El segundo punto son los reflejos musculares. Estos detectan el nivel de estiramiento y la velocidad con que los mismos se producen. Cuando un estiramiento es violento, o se produce luego de haber llegado al punto de elasticidad máximo, el músculo se contrae para defenderse, y tratar de evitar una lesión muscular.

Por lo tanto el resultado no es el esperado, ya que la amplitud muscular se puede ver disminuida y los músculos se vuelven más rígidos. Por lo tanto es un método que no se recomienda utilizar.

Distinto es el caso de deportes que necesitan entrenar en estas condiciones, es decir llevar al músculo mediante movimientos muy explosivos a condiciones de estiramiento máximo, como es el caso de las artes marciales, la aeróbica de competición, algunos movimientos de la gimnasia artística, etc. Aquí ocurren procesos de adaptación de años, de tal manera que los atletas entrenan su cuerpo para que los reflejos no se pongan en marcha a la velocidad que se producen los movimientos.

Vale aclarar que en caso de lesión los atletas deberán recuperar la fuerza y flexibilidad en forma gradual, mediante un estricto control, e introducir la flexibilidad balística pasando por otros métodos como la elongación activa.

FNP (Facilitación Neuromuscular Propioceptiva): es un método que se ha tomado de la fisioterapia, donde se utiliza para tratar apoplejías. Consiste en realizar una serie de movimientos que utilizan los reflejos musculares.

Existen dos técnicas:


CR (contraer-relajar): con este método la persona debe contraer el músculo que desea relajar y mantenerlo contraído por un lapso de 20 segundos, así se produce una inhibición autógena en los receptores tendinosos de Golgi permitiendo que se produzca una amplitud de movimiento mayor que en condiciones normales.
CRAC (contraer-relajar-antagonista-contraer): esta técnica está formada en una primera parte por CR, es decir contraer el músculo que se desea relajar, y luego de 20 segundos y una pausa de relajación se procede a contraer el antagonista para favorecer más aún la relajación del primero. Este método favorece el fortalecimiento del músculo opuesto, para poder controlar la amplitud del movimiento.

lesiones en la danza

Tipos, causas, tratamientos y prevención.

No es plato de buen gusto para nadie padecer una lesión, especialmente para aquéllos en los que su instrumento de trabajo es el cuerpo mismo como ocurre con la danza. Desde un punto de vista práctico, el bailarín de una compañía que por lesión está obligado a parar le está dejando su puesto a otro. Quizá este pensamiento sea la razón por la cual muchos bailarines aguantan el dolor de forma casi estoica en un mundo de danza que se está volviendo cada vez más competitivo.
Por este motivo cada vez más bailarines se preocupan por aprender cual es la mejor manera para cuidar su preciado instrumento en lo que se podría calificar como una”new wave” en la danza actual: la prevención de lesiones. Incluso los bailarines más afortunados, aquéllos que no han sufrido nunca lesión alguna, mismo éstos se interesan en la prevención, sabedores de que mismo si las lesiones son algo “normal” de la profesión hay muchas posibles formas para reducirlas en cantidad y en gravedad.

Si intentamos hacer una clasificación de las lesiones tipo que se producen por el ejercicio de la danza nos encontramos con que el número de lesiones que están en relación directa con la danza es escaso; tan sólo aquéllas que son consecuencia del trabajo “en dehors” y en extensión dorsal, el hallus valgus más conocidos como “juanetes” o la fractura del 5º metatarsiano merecen un puesto destacado. El resto, forman parte del triste “elenco” de lesiones (*) relacionadas con la práctica de cualquier actividad que sea denominada como de “alto rendimiento
Tipos de lesiones

Los tipos de lesiones van a venir determinados de acuerdo a las partes o estructuras corporales que se vean involucradas, pudiendo afectar al tejido óseo (fracturas y fracturas por stress) o al tejido blando (lesiones musculares y articulares que incluyen no sólo la parte ósea de la articulación sino también las estructuras de la articulación misma: cápsula, ligamentos, sinovial, meniscos, discos intervertebrales, etc.) siendo afortunadamente estas últimas la principal causa de baja laboral.

Muchos estudios han demostrado que al menos el 50 por ciento de las lesiones ocurren en pie y tobillo (menos documentado es el hecho de ser lesiones que por lo general ocurren más de una vez). En otros se observa cómo las partes corporales más vulnerables a lesionarse en la danza son, la rodilla, la cadera y la columna lumbar, pero en la práctica se observan casi con la misma asiduidad que las que se producen en la parte superior del cuerpo incluyendo cabeza y cuello. Es importante comprender bien que un músculo que sea solicitado para trabajar de manera constante se atrofia. El trabajo constante impide la correcta vascularización estrechando los vasos sanguíneos con lo que el músculo se fibrosa y degenera hacia lo conjuntivo (estático). Como los músculos no están hechos para una función estática la persona siente una fatiga constante con contracciones y dolores en las inserciones musculares (tendinitis y periostitis) estando en realidad atrofiados por un exceso de trabajo y no por debilidad.

El trabajo de cara a devolver a los músculos su función dinámica se verá recompensado con la disminución del dolor y la notable mejora en la troficidad muscular sea cual sea el nivel del desequilibrio. Pero más interesante que la clasificación de las lesiones es el interés por el origen, el remedio y sobre todo la prevención.

Origen de la lesión


El origen de la lesión salvo cuando la naturaleza de ésta es de tipo traumático viene determinado de una parte por las condiciones anatómicas presentes de otra, por el conocimiento y cultivo de la técnica.

En las lesiones de origen traumático pueden darse circunstancias o factores ajenos al bailarín que favorezcan o aumenten las posibilidades de lesión como pueden ser el suelo, el calzado, la temperatura, la repetición reiterativa del movimiento, la fatiga…éstas no hacen más que agravar las compensaciones mecánicas negativas ya presentes, pero sirven en todo caso como justificante en el grupo para que se produzca la reclamación colectiva necesaria con el fin de conseguir el cambio o la mejora y evitar así nuevas incidencias.

La causa o causas de lesión pueden no ser evidentes excepto ante una observación y examen meticuloso y detallado. Gran parte de los bailarines no presentan de forma natural las condiciones anatómicas necesarias como para bailar. Es de gran importancia que los maestros tengan en cuenta las características físicas de cada alumno sobre todo en edad temprana ya que puede haber limitaciones físicas y restricciones que pueden impedirle el desarrollo de una técnica perfecta.

La falta de conocimiento de la técnica por su parte puede que no plantee grandes problemas a aquéllos en los que las condiciones físicas sean la ideales pero para aquellos que no lo son, la lesión puede permanecer latente durante largo tiempo intercalándose periodos de dolor intenso con periodos de malestar controlado lo cual termina por convertirse en una lesión crónica.

También debe ser contemplado junto con lo anteriormente expuesto el hecho de que no aplicar la técnica de la forma correcta es también causa de lesión. Es corriente encontrar bailarines que descuidan su posición durante la clase: ninguno de entre nosotros trabaja con la misma intensidad de forma bilateral, existe siempre un sentido de movimiento facilitado y otro restringido que es justamente, el que merece más atención a la hora de la ejecución del ejercicio. Los bailarines deberán hacer uso de todos sus conocimientos aplicándolos a su potencial físico pero nunca deberán llegar más allá de sus límites.

un poema que me gusta mucho de pablo neruda

I can write the saddest poem of all tonight.

Write, for instance: "The night is full of stars,
and the stars, blue, shiver in the distance."

The night wind whirls in the sky and sings.

I can write the saddest poem of all tonight.
I loved him, and sometimes he loved me too.

On nights like this, I held him in my arms.
I kissed him so many times under the infinite sky.

he loved me, sometimes I loved him

How could I not have loved his large, still eyes?

I can write the saddest poem of all tonight.
To think I don't have him. To feel that I've lost him.

To hear the immense night, more immense without him.
And the poem falls to the soul as dew to grass.

What does it matter that my love couldn't keep him.
The night is full of stars and he is not with me.

That's all. Far away, someone sings. Far away.
My soul is lost without him

As if to bring him near, my eyes search for him
My heart searches for him and he is not with me.

The same night that whitens the same trees.
We, we who were, we are the same no longer.

I no longer love him, true, but how much I loved him.
My voice searched the wind to touch his ear.

Someone else's. He will be someone else's. As he once
belonged to my kisses.
His voice, His infinite eyes.

I no longer love him, true, but perhaps I love him.
Love is so short and oblivion so long.

Because on nights like this I held him in my arms,
my soul is lost without him

Although this may be the last pain he causes me,
and this may be the last poem I write for him

quiero compartir unas palabras

Todos los dias estamos siendo bombardeados con concursos de belleza, programas de television y hasta revistas proclaman lo que "nosotros como parte de la sociedad" pensamos cual es el significado de esa palabra, pero en realidad que es la belleza?

La belleza no es un frasco de cremas con atributos especiales que te haran ver mas joven, Belleza no son las prendas mas finas y elegantes que puedes tener en tu armario, o todo el dinero que puedes gastar en productos exesivamente caros. Belleza amigo mio es la manera en que te comportas y te respetas a ti mismo, es la manera en la que descubres que eres un ser unico, perfecto y especial, porque lo creas o no: Tu eres hermoso!

Tu eres un maravilloso ser humano que merece admiracion, amor y respeto siempre, asi que por favor no aceptes mensajes que pueden lastimar tu autoestima... tu no eres un patito feo, empieza a creerlo!!

Belleza es un estado mental, no se trata de ser joven o vieja, bonita o simple, flaca o gorda; Belleza es el amor que te tienes a ti mismo y como lo reflejas...

maquillaje escenico

El maquillaje es una fuente de expresión escénica.

Es la vía para caracterizar de forma plástica, con cosméticos, arcillas o pigmentos, a un personaje. El maquillaje es tan viejo como la necesidad del vestido.



Existen datos de maquillajes que se realizaban con pigmentos naturales, como una opción de mimetismo, transformación o caracterización. Incluso el maquillaje ha sido una vía para la jerarquía social en muchas culturas del mundo. Podemos hacer una división del maquillaje en tres vertientes importantes. El primer canal de expresión, es el religioso, en donde culturas animistas y otras religiones utilizan al maquillaje como un elemento indispensable para acercarse al dios o las deidades, siendo importante el ajuar para presentarse digno al ritual o recinto religioso. Un ejemplo claro sería el Chamán o el Gurú de algunas culturas africanas, americanas o australianas.
Otra forma de expresión es la cultural. La adecuación de elementos artesanales y maquillajes para pertenecer a un núcleo determinado de la sociedad. Podemos poner de ejemplo a tribus Africanas, Neo Zelandesas y Australianas que conservan maquillajes, tatuajes, laceraciones o deformaciones de la piel y el cuerpo por tradición; como los habitantes de Nigeria, las mujeres de Kenia o Zaire, o los Maoríes de Nueva Zelanda, entre otros.

Ejemplo de la transformación social mediante el maquillaje son los Eunucos, que deben transformar o caracterizar su cuerpo y rostro para pertenecer a un grupo selecto de la sociedad. Los Punks o Darks serían otra manifestación social, que a través del peinado, maquillaje, aretes o tatuajes pertenecen a un sector específico. El maquillaje social es una forma de expresión de las culturas, es común e indispensable para la sectorización de algunos núcleos


Por último tenemos la manifestación artística, que fusiona tanto a la religiosa como a la cultural. Es la vía para la representación y expresión de las formas sociales de vida. Existen danzas y obras de teatro de deidad, como una manifestación cultural para los festejos sociales. Podemos poner varios ejemplos de todo el mundo como son:

El teatro Kathacali, los rituales de los aborígenes Australianos, la ópera de Pekín, el teatro Kabuki, los rituales Huicholes, los hombres pájaro de Papúa y las danzas tribales Maoríes entre otras. Esta forma de expresión fusiona a todas las variantes del maquillaje, ya sea el mimetismo para acercarse a dios, un canon estético para integrarse a un núcleo social o la vía para la caracterización y la expresión artística y escénica. En este rubro entra el maquillaje teatral, es el método y las técnicas de la representación plástica, para hacer de cualquier ejecutante escénico un personaje.

Sin embargo ¿que hay de del maquillaje corporal?, una área completamente plástica que no sólo seduce a los ejecutantes de otras artes, sino a los realizadores de las artes plásticas y visuales que lo utilizan para la transformación o caracterización del cuerpo, una alternativa para la realización de obras efímeras y únicas. El Body Paint o Body Art, ofrece una forma de mimetismo, la exploración y la transformación temporal del cuerpo, elementos importantes para éste encuentro, cuyo propósito es el de difundir la maravilla que el cuerpo por si sólo puede ofrecer y pintado aún más. Fuente: www.ulat.ac.pa

historia del tutu

La modista rusa Karinska, creadora de los más bellos tutus.

Un tutu debe ser un instrumento de esplendor visual para la audiencia, proporcionando placer y seguridad a la hora de bailar. La elección del vestuario de ballet para el bailarín es un tema fundamental.


Un tutu debe capturar la esencia del ballet clásico, realzando y reflejando la belleza del bailarín. El vestuario para una gala de danza clásica es un ritual que va más allá de la creación de un tutu.

La definición de tutu es amplia, aunque se aplica generalmente, sabemos de qué se trata. El concepto moderno de tutu es según la definición que hicieran de él Balanchine y Karinska creando la famosa frase "el tutu es como un soplo de polvo". Balanchine es considerado el padre del ballet clásico americano y como él, merece el título de la madre del vestuario del ballet clásico una mujer; conocida simplemente como Karinska. Antes del tutu Balanchine- Karinska, el tutu era más común, más simple. Eran tutus que podían ser vistos en muchas de las pinturas de Degas o el clásico tutu más corto, el de crepe, antiguo y rígido.


Karinska

El bordado ruso era una forma de arte muy notoria e importante en Rusia, destacándose el de las cortinas detalladas con colores y texturas que variaban en sus puntadas. Tenían en general algún bordado minúsculo y fino y otros amplios y ásperos. Éste medio artístico era la profesión de Karinska.

En Moscú, Karinska abrió una escuela de bordado y enseñaba el arte de bordar almohadillas, servilletas, bolsos, paños de la tabla. Utilizaba telas y apliques pintados de chifón de seda en su trabajo. Sus creaciones eran tan sofisticadas y únicas, que llego a alcanzar notoriedad como artista de ese medio. Su negocio prosperó y creó una tienda de sombreros y de vestidos antiguos. Por su notoriedad, se convertiría en la Commissar de Museos de Moscú y con el permiso del gobierno bolchevique viajó a Bruselas, a visitar a su padre. Ya con la idea de no volver a Rusia, una vez en la capital Belga, va a París, y encuentra trabajo gracias a sus dotes y habilidades como costurera. Se instala de esta manera en la capital francesa.


En París una nueva compañía de ballet clásico llamada "Ballet Clásico Russes de Monte Carlo" le solicitó la creación de los trajes para su primer ballet titulado "Cotillon". La coreografía estaba creada por otro ruso llamado George Balanchine. Christian Berard, diseñador y fotógrafo de gran renombre y prestigio, realizo el diseño y proporcionó un bosquejo general, una idea, de lo que deseaban para el nuevo ballet; pero sería Karinska quién expuso y creó sobre el concepto creado por Berard, modificándolo, eligiendo la tela, la calidad y la cantidad, y decidiendo cómo seria el concepto, la idea, la magia.

Toda su creatividad fue puesta en ejecución. Karinska, Balanchine, y Berard estudiarían cada ballet y colaborarían en la creación de su vestuario. Con el tiempo este tema sería dejado solamente a Karinska. Ella se convirtió en París, en la representante única de la creación de trajes para ballet. Tanto fue su éxito que Berard creo con sus diseños varias cubiertas para la ya famosa revista de modas Vogue. En 1932 tras la apertura de su tienda en París, Karinska vistió seis ballets clásicos de Balanchine antes que él se fuera definitivamente a Nueva York.

En 1936 preparo el vestuario del ballet "Estaciones" ballet que seria presentado por los Ballet Clásicos Russes en el Covent Garden de Londres; en donde abrió otra tienda de vestidos y bordados. Paralelamente en Nueva York, Balanchine funda la escuela de ballet clásico americano con Lincoln Kirstein y crea la American Ballet Company. En 1940, Karinska abre una tienda más en Nueva York.

El nacimiento del tutu Balachine - Karinska
El tutu de crepe largo, favorito de Balanchie, era usado con frecuencia. Con sus múltiples capas de tules sin atar, este traje se movía y flotaba cuando los bailarines saltaban. Sin embargo los bailarines como el público no podrían ver sus piernas.


Acortar la falda del tutu era una solución y un reto, permitiendo así ver las piernas de los bailarínes completamente. El nuevo traje Balanchine - Karinska tenía seis o siete capas de la red recolectada, cada capa era media pulgada más larga que la capa precedente. La alineación era fluida e inexacta. Las capas fueron clavadas con tachuelas juntas para permitir la mirada mullida, floja, efímera del tul sobre las piernas del bailarín y para descender, debajo de la cintura del bailarín. Este era el tutu que hacia a las bailarinas soñar con bailar. Este tutu, más que cualquier otro, ha venido a simbolizar nuestra noción del ballet clásico. Es el icono del ballet clásico. La unión de Balanchine y de Karinska que hizo un estándar en la historia del ballet simbolizando una nueva mirada en 1950, una obra clásica, conocido como el Balanchine - Karinska - Tutu. Debido a su semejanza a un soplo de polvo fue llamado el "tutu soplo de polvo".


Balanchine dijo, "atribuyo el cincuenta por ciento del éxito de mis ballets clásicos a los trajes que Karinska ha creado." Los setenta y cinco ballets clásicos de Balanchine fueron realizados con vestuario de Karinska creando sus realizaciones más notables. Ella fue una maestra establecida y reconocida en trajes y diseños de vestidos.

danza + moda ? ustedes que opinan?

Las bailarinas de las grandes compañías del mundo actúan con todo tipo de vestuarios; hoy está permitido desde lo más clásico y tradicional, como el tutú y la malla, hasta prendas vanguardistas diseñadas por reconocidos creativos de la moda. Otra tendencia dentro del ballet moderno es utilizar la ropa de ensayo, elegida por su comodidad y línea pura: calzas, faldas étereas y acampanadas, polainas y remeras cómodas.



El conocido tutú fue popularizado por María Taglioni en el ballet La Sílfide, de 1832. Otras bailarinas, como la sensual Isadora Duncan o la enigmática Mata Hari, se transformaron en íconos de belleza y encontraron en el público femenino seguidoras de su estilo. La moda estilo danza provocó que las mujeres se animaran a los escotes en V y las faldas más cortas.


Hoy ocurre algo similar al furor de principios del 1900: el estilo danza vuelve a imponerse en la moda urbana y todas las prendas que lo conforman se pueden usar en cualquier momento y situación. La clave es no abusar, no hay que disfrazarse de bailarina sino combinar las prendas actuales y poder ponerle al look diario ese toque de bailarina moderna que queda tan femenino.



Las leggings bajo la falda, la superposición de ropa, los cuellos desbocados con camisetas de tirantes debajo, las faldas acampanadas en telas con caída propia, el uso del tul debajo o sobre las polleras, las polainas o calentadores, el cache coeure de hilo de algodón.


Lo mágico de un estudio de danza se traslada al día a día, la comodidad y liviandad de las prendas de baile pueden usarse tanto para una clase de yoga o pilates, como para una salida o el trabajo. Esta moda permite mezclar estilos en diferentes situaciones y lugares.


Tal vez una falda globo corta, con calzas por debajo y zapatillas deportivas; una falda acampanada por debajo de la rodilla con una musculosa de escote redondo y pronunciado, con las ballerinas Jack Pourcell de Converse; un jean con musculosas de satén superpuestas y zapatillas rosa que se ajustan con lazos al tobillo. U otras opciones, como las que se muestran en la moda que acompaña esta nota, donde la superposición de prendas y estilos permiten componer el look danza que se impone. Aquí, la ropa deportiva, los colores pasteles, los volados y las telas de algodón, modal y gasa son fundamentales.


Dentro de las marcas deportivas, la alianza de Adidas con Stella McCartney tiene mucho que ver en esta tendencia. Si bien la ropa que diseña la hija del ex Beatle es pensada para disciplinas como el jogging, el fitness, la natación, el yoga, la escalada, el ski o el tenis, todas sus prendas tienen un nivel de diseño que bien pueden llevarse todos los días en el agite de la ciudad. La paleta de colores delicados entre gris claro, rosa viejo, amarillo pálido, celeste agua o blanco se aplican a los diseños de tenis inspirados en los años 50 o los de yoga inspirados en los 70.



Nike también prevee el lanzamiento de una colección estilo danza para principios de 2007 en América Latina. Se trata de la línea "Gym Rhythms" que ofrece comodidad para realizar una nueva rutina de ejercicios llamada "Nike rockstar workout" que recurre a técnicas de la danza. Las prendas de esta colección permiten agilidad y rendimiento en los movimientos y sabe satisfacer las necesidades del público femenino que recurre cada vez más a técnicas de la danza como entrenamiento deportivo.



Pero este look de bailarina urbana no sólo es ideal para aplicar a la vida diaria, sino que también puede ser ideal para una boda. La propia novia lucirá encantadora si le aporta a su vestido la espectacularidad y el volumen del tul o el romanticismo del mundo de la danza. Los lazos, los tirantes en los vestidos, el exceso de volados o los drapeados en tonos rosa viejo o champagne hacen que la novia baile la pieza más romántica de su vida.